Hvorfor Federico Fellinis filmer er så fengende

2024 Forfatter: Malcolm Clapton | [email protected]. Sist endret: 2023-12-17 04:07

Du vil gråte over "Cabirias netter", sette pris på den modne kynismen til "La Dolce Vita" og stupe hodestups inn i det ekstravagante "Roma".

Den store italienske regissøren Federico Fellini, vinner av fem Oscars (den siste for sitt bidrag til kino), endret tankegangen til både publikum og mange andre regissører radikalt. Ved første øyekast er maleriene hans vilt forvirrende, komplekse og derfor uforståelige. Men hvis du ser på det, er Fellinis filmspråk veldig demokratisk, og han er selv en virkelig folkeskaper.

Hva var den kreative veien til Federico Fellini

Karrierestart og nyrealisme

Federico Fellini begynte sin karriere innen kinematografi i 1945 da han skrev manuset til Roberto Rossellinis film «Roma – en åpen by». Dette bildet la grunnlaget for den mest demokratiske retningen i verdens kino - italiensk neorealisme, og regnes nå som en ubestridelig klassiker. Hovedtrekkene i nyrealismen var sosiale konnotasjoner og fokus på vanlige mennesker. Å opptre i slike bånd, sammen med stjernene, ble vanligvis kalt ikke-profesjonelle skuespillere.

Riktignok gikk Fellini, i motsetning til hovedrepresentantene for neorealismen - Vittorio de Sica og Roberto Rossellini, fortsatt sin egen vei. Temaet «den lille mannen» og samfunnsspørsmål sto ham også nært. Men allerede i de aller første filmene til Federico kan en kreativ originalitet og original filosofi spores. Og motivene til ekstravaganzaen og karnevalet, som senere ble hans kjennetegn, er synlige selv i mesterens tidlige verk - Variety Show Lights (1950), The White Sheikh (1952) og Mama's Sons (1953). Selv om Fellini i disse båndene bare famlet etter sin spesifikke stil.

Allerede de neste filmene – «The Road» (1954) og «Nights of Cabiria» (1957) – ble mer sentimentale og mindre realistiske. De lignet en merkelig, urovekkende drøm. Etter dem forlot regissøren til slutt neorealismen til fordel for uvanlige verk, der virkeligheten på en merkelig måte ble kombinert med forskjellige typer mirakler.

Avreise til surrealisme og blomstringen av kreativitet

Et nytt kapittel i en regissørkarriere kalles noen ganger rosenrød, eller magisk, realisme. Filmer fra denne perioden er mye mer fylt med fantasi enn før, men samtidig preges de av poesi og letthet. Og fortsatt like mye som motivene til ekstravaganza og karneval, er Fellini interessert i temaet å finne seg selv.

De viktigste filmene på denne scenen – «Sweet Life» (1960) og «8 and a Half» (1963) – er bygget som en eksplosiv blanding av ekte minner, nostalgi og fantasi. Det er disse to filmene som regnes som toppen av regissørens egen kreativitet og standarden på kinematografi generelt. Påvirkningen fra teorien om psykoanalyse er også sterkt følt i dem. Tross alt var Fellini veldig oppmerksom på drømmene sine og skrev ned mange av dem, og i det psykoanalytiske konseptet er det bare mye viktighet til tolkningen av drømmer.

Barokk trekk og stadig mer grotesk stil

På dette stadiet avviker mesterens kreative vei mer og mer fra publikums forventninger. Spektakulæriteten begynte endelig å dominere handlingen, og selve filmene ble bra, fullstendig psykedeliske.

I båndene "Satyricon" (1969), "Roma" (1972), "Amarcord" (1973) refererer Federico Fellini til eldgammel historie og til og med sine egne barndomsminner. Men samtidig er filmene så overbelastet med detaljer at Andrei Tarkovsky kalte verkene fra denne perioden Tarkovsky om Fellini: "Jo mer subjektivt verdensbildet er, jo dypere trenger kunstneren inn i den objektive virkeligheten" / Art of cinema Fellini-barokken.

Apoteosen var filmen «Casanova» (1976). Han ble kjølig mottatt av kritikere og ikke verdsatt selv av de mest lojale fansen av regissøren. Og Fellini selv var ikke stolt av dette arbeidet. Han tok opp produksjonen med stor motvilje, og leste de omfangsrike memoarene til Giacomo Casanova etter at han hadde signert en skytekontrakt.

Nedgangen til den kreative veien og selvironi

Fra 1980-tallet gikk mesteren til slutt inn i selvparodi og revurderte sine egne tidlige funn. For eksempel, "City of Women" (1980), er faktisk en scene av haremet fra "8 and a Half" som har vokst til størrelsen på en hel film.

I lignelsen "Og skipet seiler …" (1983) følger Fellini sine favorittkunstneriske prinsipper (om dem nedenfor). Men regissørens senere filmer - "Ginger and Fred" (1986), "Interview" (1987) og "Voice of the Moon" (1990) - forenes av temaet kreativ tretthet og nostalgi etter fortiden. For det første bekjentskapet med Fellini er det bedre å ikke velge dem. Tross alt er dette selve tilfellet når det er bedre å se regissørens filmer strengt tatt i rekkefølge.

Hvordan Federico Fellinis registil skiller seg ut

Vedvarende bilder og arketyper

Gjennom alle Fellinis arbeider går de samme bildene som en rød tråd. Sjelden klarer filmen hans seg uten sirkusatmosfæren. Sistnevnte kan ikke tenkes uten klovner, som samtidig forstyrrer og gleder regissøren.

Federico Fellini direktør. Fra boken "I, Fellini" av Charlotte Chandler

Da jeg var syv år gammel tok foreldrene mine meg med på sirkus for første gang. Jeg ble sjokkert over klovnene – jeg visste ikke hvem de var, men jeg hadde en merkelig følelse av at jeg var forventet her. Siden den gang har jeg etablert en ubrytelig forbindelse med sirkuset, og jeg har drømt om det i mange år.

Filmskaperen kom tilbake til dette emnet så ofte at en lignende stil nå er uløselig knyttet til navnet hans. Kritikere kaller dette estetikk feliniesque, det vil si fellinisk.

En annen viktig del av Fellinis estetikk er bildet av stranden. Regissøren ble født i kystbyen Rimini og tilbrakte mye tid ved sjøen. Derfor, i filmene hans, utspiller seg ofte skjebnesvangre hendelser for heltene (levende eksempler - "8 og en halv", "Sweet Life" og "The Road") på kysten.

Fellini startet som karikaturtegner og var flink til å skildre bilder på grensen til det groteske. Han ønsket at karakterene, så snart de dukket opp på skjermen, umiddelbart skulle bli husket av publikum. Derfor var han bekymret for uvanlige mennesker - marginale, prostituerte, svindlere og skurker.

Et og samme bilde finnes ofte i verkene hans – en veldig stor, staselig dame. Hun legemliggjør både det feminine prinsippet, mors omsorg og dyrelidenskap. Som alle favorittkarakterene hans, kom regissøren opp med en slik heltinne som barn.

Ukonvensjonelt drama

Ofte blir Fellinis filmer skremt av mangelen på en tydelig narrativ struktur. Det ser ut til at maleriene hans ikke handler om noe i det hele tatt: det er ikke noe klart manus i dem, og handlingen, selv om det er en, er ikke-lineær.

Men det er nettopp denne egenskapen som gjør mesterens bånd så særegne. For de som fremfor alt verdsetter knallbra vridd intriger og elegante dialoger, vil Fellinis stil neppe være i nærheten. Men italieneren visste perfekt hvordan han skulle formidle forskjellige nyanser av følelsene til heltene hans.

Permanent muse

Ikke en eneste Fellini-film kunne klare seg uten hans elskede kone Juliet Mazina. Selv om skuespilleren ikke opptrådte selv, var hun nesten alltid til stede på settet. I filmen "The Road" har Mazina skapt et av de beste bildene i verdens kino, og navnet til heltinnen hennes, Jelsomina, har blitt et kjent navn.

Kunstneren var i stand til å formidle bokstavelig talt hele spekteret av menneskelige følelser på skjermen. Hun kunne være like spontan, romantisk, dramatisk, men oftere - morsom og smertefullt rørende.

Filmatisk alter ego

Da han skulle skyte La Dolce Vita, kunne Fellini først ikke finne en ledende skuespiller. Han trengte den mest allsidige typen slik at publikum lett kunne forestille seg at de var i stedet for helten.

En gammel bekjent av Juliet Mazina, Marcello Mastroianni, var ideell. Deretter ble samarbeidet hans med Fellini gjenfødt til en nær kreativ forening, og deretter til et ekte vennskap, som begge bar gjennom årene.

Regissøren ble aldri lei av å gjenta at han selv og bildene av Mastroianni skulle tas som en helhet. Og dermed viste han at du kan filme veldig uvanlig og interessant om deg selv, og noen andre filmskapere tok senere i bruk denne teknikken.

Hvilke filmer av Federico Fellini trenger å se

1. Mammas sønner

• Italia, Frankrike, 1953.
• Drama, komedie.
• Varighet: 109 minutter.
• IMDb: 7, 9.

Fem unge mennesker kjeder seg i en kystby i provinsen. De drømmer om å forlate hjemlandet, hvor alt er smertelig kjent og hvor deres slektninger bor.

Grunnlaget for "Mama's Sons" ble dannet av minnene til Fellini selv, selv om han ikke likte da filmene hans ble kalt selvbiografiske. Likevel forteller båndet nøyaktig om regissørens ungdom. En av hovedpersonene ble til og med spilt av broren til Federico Ricardo Fellini, og karakteren bærer samme navn.

Takket være den svært personlige tonen til «Mama's Sons», sammen med hennes tidligere tidlige verk «Variety Show Lights» (1950) og «White Sheikh» (1952), kan den betraktes som en slags trilogi. Men det var i «Sønner» at Fellini fant sin kreative originalitet og brakte sine filmiske ferdigheter til et nytt nivå.

2. Vei

• Italia, 1954.
• Drama.
• Varighet: 108 minutter.
• IMDb: 8, 0.

Sirkussterkmannen Zampano kjøper ut landsbyidioten Jelsomina for å jobbe som assistenten hans. Sammen reiser de gjennom Italia til de møter et omreisende sirkus.

"The Road" regnes som en av nøkkelfilmene ikke bare på italiensk, men også på verdenskino. I dette båndet har Fellini allerede gått bort fra neorealismens kanoner og lagt fantasi og poesi til handlingen.

Bildet brakte Fellini sin første "Oscar", og glorifiserte også Juliet Mazina, som umiddelbart fikk kallenavnet "Chaplin i et skjørt".

3. Nights of Cabiria

• Italia, Frankrike, 1957.
• Drama, melodrama.
• Varighet: 118 minutter.
• IMDb: 8, 1.

En prostituert ved navn Cabiria drømmer om å finne ekte kjærlighet og forlate et fattig nabolag. Men jenta blir lurt og brukt til personlige interesser. Til tross for dette forblir hun snill mot folk.

Federico Fellini skrev manuset til filmen spesielt for sin kone. Unødvendig å si taklet Mazina rollen sin utmerket, og smilet hennes gjennom tårene i finalen ble et symbol på italiensk kino.

4. Søtt liv

• Frankrike, Italia, 1960.
• Satire, tragikomedie.
• Varighet: 179 minutter.
• IMDb: 8, 0.

Den kyniske journalisten Marcello fører en hedonistisk livsstil og forandrer kvinner som hansker. Selv utseendet til den amerikanske filmstjernen Sylvia gjør ikke noe spesielt inntrykk på helten. Følelsene hans blir såret bare av det forferdelige selvmordet til en venn, men ikke lenge.

Bildet gjorde Marcello Mastroianni til en stjerne, og påvirket også populærkulturen så mye at selve navnet ble et kjent navn. Men den geniale ideen ble ikke umiddelbart verdsatt. "Sweet Life" ble forbudt, regissøren ble anklaget for blasfemi og angivelig filming av pornografi. Det kom til det punktet at Fellini bokstavelig talt spyttet i ansiktet.

5,8 og en halv

• Italia, 1963.
• Tragikomedie.
• Varighet: 138 minutter.
• IMDb: 8, 0.

Regissør Guido Anselmi er i ferd med å spille inn en ny film og går samtidig gjennom en kreativ krise. Han drar til et feriested hvor han møter alle slags mennesker. Men jo lenger, jo mer tviler helten på at han i det hele tatt vil lage et bilde.

Fellini komponerte "8 and a Half" basert på personlig erfaring. Da det var nødvendig å skrive et manus, møtte han selv mangel på ideer og ønsket til og med å forlate prosjektet. Men så gikk det opp for ham å bare lage en film om seg selv.

Selv navnet "8 og en halv" valgte Federico ikke ved en tilfeldighet. Den inkluderer seks filmer i full lengde og to kortfilmer som Fellini klarte å filme på dette tidspunktet. Vel, regissøren betraktet sin debut «Variety Show Lights» (1950), laget i samarbeid med Alberto Lattuada, som en halv.

6. Juliet og parfyme

• Italia, Frankrike, 1965.
• Fantasy, drama, komedie.
• Varighet: 148 minutter.
• IMDb: 7, 6.

Juliet begynner å mistenke mannen sin for forræderi. Men fra det øyeblikket hun endelig mister tilliten til sin elskede, skynder en mengde ånder fra den andre verden inn i livet hennes.

Fellini ønsket med sin første fargefilm å gi kvinner tilbake retten til fritt valg. Men ironisk nok lyttet han ikke i det hele tatt til sin kone Juliet Mazina, som stadig kritiserte manuset under filmingen, og forgjeves. I stedet for å fokusere på kvinners opplevelse, portretterte Federico sitt eget syn på dem på skjermen. På grunn av dette ble bildet hilst kjølig, hvoretter regissøren innrømmet at kona hadde rett.

Noen ganger kalles "Juliet" den kvinnelige versjonen av "8 og en halv". Dette er delvis sant, fordi Fellini selv snakket med Federico Fellini. Å lage en film som har laget den samme filmen hele livet.

7. Satyricon

• Italia, Frankrike, 1969.
• Fantasy, drama, historie.
• Varighet: 129 minutter.
• IMDb: 6, 9.

Hendelser utspiller seg i Romerriket under dets tilbakegang. I sentrum av fortellingen står historien om den unge mannen Encolpius. Helten leter etter sin unge kjæreste, som rømte sammen med deres felles venn.

Nå regnes «Satyricon» som et av de beste verkene til Fellini, men filmen var dessverre langt forut for sin tid. Så eksperter på gammel historie kritiserte bildet hardt, selv om regissøren ikke hevdet å være autentisk. Målet hans var snarere en parodi på den sosiopolitiske situasjonen på slutten av 1900-tallet.

Publikum reagerte også kaldt på «Satyricon», og vurderte den som for eksperimentell. På dette stadiet begynte Fellini sakte men sikkert å miste publikummet sitt, som helt sluttet å forstå ham.

8. Roma

• Italia, Frankrike, 1972.
• Drama, komedie.
• Varighet: 120 minutter.
• IMDb: 7, 4.

Impresjonistisk, skrevet i store streker, historien om selveste Fellini, som som ung flyttet til Roma fra en liten by. Som i mange andre filmer av mesteren er den full av selvbiografiske motiver, mens det ikke er noe klart plot, handlingen er ikke-lineær, og bevissthetsstrømmen blander fortid og nåtid, virkelighet og fiksjon.

9. Amarcord

• Italia, Frankrike, 1973.
• Drama, komedie.
• Varighet: 123 minutter.
• IMDb: 7, 9.

Ifølge handlingen er 1930-tallet og det fascistiske diktaturet Mussolini på tunet. Hovedbegivenhetene utspiller seg rundt den unge Tittas familie og forskjellige andre merkelige karakterer som bor i den lille kystbyen.

I Amarcord forestiller Fellini seg tenårene i Rimini på nytt. Men han foretrekker å vise barndomsminnene gjennom prisme av voksenopplevelse. Så filmen viste seg å være veldig ærlig, og noen episoder flau sensurene så mye at sovjetiske seere, for eksempel, så en beskåret versjon.

10. Kvinnenes by

• Italia, Frankrike, 1980.
• Drama, komedie.
• Varighet: 148 minutter.
• IMDb: 7, 0.

Den respektable borgerlige Snaporas går av toget etter kvinnen han liker. Han befinner seg i en fantastisk kommune hvor det ikke er plass for menn. Helten prøver å rømme derfra, men stuper bare dypere ned i avgrunnen av kaos og absurditet.

Dette er en av Fellinis senere filmer, surrealistisk og plottløs som alle hans modne verk. Bildet kan kalles en nytenkning av båndet "8 og en halv", der helten Mastroianni hadde udelt makt over damene forelsket i ham. Men i «City of Women» blir karakteren tvert imot knust av strømmen av kvinnelig uttrykk.