Hvordan Sofia Coppola lager sine unike filmer

2024 Forfatter: Malcolm Clapton | [email protected]. Sist endret: 2023-12-17 04:07

Loners vil bli sjarmert av mørk romantikk, musikkelskere - av lydsporet, og alle andre - av diskré humor.

Sofia Coppola regnes fortjent som en av generasjonens viktigste amerikanske regissører. I filmografien hennes er det både anerkjente mesterverk ("Lost in Translation"), og filmer som har samlet lite flatterende anmeldelser ("Elite Society"). Men alle disse verkene har én ting til felles – den originale håndskriften, som er vanskelig å forveksle med noe.

Hvordan Sofia Coppola fikk sin start

Sofia Coppola ble født inn i en kjent kreativ familie. Faren hennes er den store Francis Ford Coppola, en av hovedregissørene i andre halvdel av det 20. århundre. Og bror Roman jobbet i forskjellige områder av filmskaping. Sofia, knapt født i 1971, har allerede filmdebutert som baby ved en dåp i The Godfather. Som barn kunne hun komme på settet til faren når hun ville.

Ironisk nok hjalp ikke beskyttelsen av den berømte paven avsløringen av Sofias talenter, men hindret henne til og med. Francis Ford, for eksempel, satte sin elskede datter i stedet for den pensjonerte Winona Ryder i sin siste film om Don Corleone-familien. Men kritikerne knuste jenta nådeløst, og generelt tok skuespillerkarrieren hennes slutt.

Men fiaskoen presset Coppola til å prøve seg på den andre siden av kameraet, og her viste talentet seg å være ubestridelig. Da Sofia slapp Virgin Suicide i 1999, var hun bare 28 år gammel. Filmen var så bra at Coppola Jr. umiddelbart etablerte seg som en uavhengig kreativ enhet.

Hva gjør Sofia Coppolas registil annerledes?

Utsøkte fargeløsninger

Sofia Coppolas filmer er alltid umiskjennelig gjenkjennelige takket være deres spesielle estetikk av ømhet, pastellfarger og behagelige undertoner. Først av alt gjelder dette filmskaperens tidlige verk. Høydepunktet for merket "godteri" når i "Marie Antoinette" (2006), der settingen bokstavelig talt ligner en stor konditori.

Still fra filmen "Lost in Translation"

En scene fra filmen "Virgin Suicides"

En scene fra filmen "Virgin Suicides"

Still fra filmen "Marie Antoinette"

Vekt på små, intime detaljer

Sofia er kjent for å være omhyggelig når det gjelder detaljer. Så i "The Virgin Suicides" viste regissøren i detalj livet til jenter som bor i en søvnig amerikansk forstad, og i "Marie Antoinette" gjenskapte hun omhyggelig luksusen til Versailles-palasset. Denne teknikken lar seeren føle seg nærmere karakteren.

Intimiteten i Coppolas tilnærming er også tydelig, for eksempel i scenene med badet, som kan sees i nesten annenhver film. Dette er nok et subtilt trekk designet for å formidle skjørheten og sårbarheten til heltene.

En scene fra filmen "Virgin Suicides"

En scene fra filmen "Virgin Suicides"

Still fra filmen "Marie Antoinette"

En scene fra filmen "Virgin Suicides"

Still fra filmen "Marie Antoinette"

Still fra filmen "Marie Antoinette"

Ubehagelig miljø for helter

Nesten alle karakterene i Coppolas verk er forent av det faktum at de er begrenset av noen uoverstigelige omstendigheter: trange klær, forpliktelser overfor sine kjære, moralske normer eller etikette. For eksempel, i Lost in Translation kommer heltene til Bill Murray og Scarlett Johansson til et land de ikke kjenner hvor selv enkle handlinger som å spise eller ta en dusj er ubehagelige.

Unge jenter fra «Virgin Suicides» blir bokstavelig talt låst hjemme under oppsyn av en streng mor. Eksistensen av elever i «Fatal Temptation» er begrenset av gjerdet til internatet deres. Og Marie Antoinette i filmen med samme navn er under andres blikk dag og natt og blir med sjeldne unntak aldri stående alene med seg selv.

Still fra filmen "Lost in Translation"

En scene fra filmen "Virgin Suicides"

Still fra filmen "Marie Antoinette"

Konstante gjentakelser

Coppolas helter finner seg ofte som gisler i den samme livssituasjonen, som gjentar seg fra dag til dag. For eksempel spiser heltinnen Kirsten Dunst i «Marie Antoinette» frokost i den luksuriøse hallen i Versailles, og ser dødsdømt på mannen sin. Eller skuespiller Johnny Marco fra filmen "Somewhere" kaller fra tid til annen go-go-dansere til seg - bare antrekkene deres endres. Denne enkle teknikken lar deg veldig nøyaktig formidle monotonien i karakterenes eksistens, all meningsløsheten og tomheten som omgir dem.

Still fra filmen "Marie Antoinette"

Still fra filmen "Marie Antoinette"

Skutt fra filmen "Somewhere"

Skutt fra filmen "Somewhere"

Pittoresk kameraarbeid

Fra film til film bruker Sofia de samme gjenkjennelige visuelle motivene som hjelper henne å transformere den virkelige verden til en slags drøm. Blant dem er dobbel eksponering, refleksjoner i glass, godt fanget sollys, allestedsnærværende gjenskinn. Dessuten skyter Coppola vanligvis i en høy tone. Dette er en måte å konstruere et lysskjema der det nesten ikke er skygger i bildet, slik at rammen viser seg å være spesielt lyrisk, fylt med mykt lys.

Still fra filmen "Lost in Translation"

Still fra filmen "Lost in Translation"

Still fra filmen "Lost in Translation"

Still fra filmen "Marie Antoinette"

Still fra filmen "Lost in Translation"

Hva er de andre unike egenskapene til Sofia Coppolas arbeid

Arkitektur, design og mote som fullverdige helter i filmen

I utgangspunktet hadde ikke Sofia til hensikt å bli regissør i det hele tatt, men planla å jobbe i moteindustrien. Og innflytelsen fra denne delen av Coppolas personlighet er merkbar i nesten alle kassettene hennes. "Elite Society" nyter den blanke, vulgære estetikken på 2000-tallet, "Virgin Suicides" forherliger de klassiske egenskapene til 70-tallsstilen, og sko til "Marie Antoinette" ble oppfunnet av skogeniet Manolo Blahnik. Og dette er bare noen få eksempler.

Forresten, Coppola tar med jevne mellomrom kommersielle videoer for kjente merker. Så forfatterskapet hennes tilhører reklamen for Miss Dior-parfymen og Daisy-parfymen av Marc Jacobs, samt en minifilm til ære for H&M og Marni-samarbeidet.

Sofia gir ikke mindre oppmerksomhet enn klærne til karakterene til miljøet de er i. For eksempel er huset til Lisboa-søstrene i «The Virgin Suicides» og herskapshuset til Martha Fartsworth i «The Fatal Temptation» faktisk fulle deltakere i begivenhetene. Det være seg estetikken til hotellene i Lost in Translation og Somewhere, eller det pompøse Versailles i Marie Antoinette, verdener skapt av Coppola bør sees uten å gå glipp av et slag.

Still fra filmen "Marie Antoinette"

Still fra filmen "Marie Antoinette"

Still fra filmen "Marie Antoinette"

Still fra filmen "Marie Antoinette"

Skutt fra filmen "Fatal Attraction"

Still fra filmen "Elite Society"

Mystikk og understatement

Nesten alle Sophias verk er forent av en viss tilbakeholdenhet. Regissøren viser for eksempel bevisst ikke hvordan Marie Antoinettes korte liv endte. Og folk vil ikke bli lei av å lure på hva Bill Murray hvisket i øret til Scarlett Johansson i slutten av Lost in Translation (la oss avsløre en hemmelighet: faktisk vet ikke til og med regissøren selv dette).

Faktum er at i forhold til karakterene hans opptrer Coppola alltid som en løsrevet observatør. Vi ser mennesker og deres handlinger, men vi forstår ikke motivene. Vi vet ikke hvilke tanker og ønsker som faktisk beveger heltene, men vi kan bare bygge våre egne gjetninger.

Shogaze og post-punk lydspor

Sofia er en stor fan av musikalske retninger som post-punk og shoegaze. Hennes kjærlighet var tydeligst i Lost in Translation, der Kevin Shields, lederen av kultbandet My Bloody Valentine, sto for lydsporet.

Dette kollektivet ble kjent som en pioner innen shugese. Essensen av denne sjangeren er opprettelsen av den såkalte veggen av lyd. Utspillet er røft og støyende, men samtidig, paradoksalt nok, drømmende og mild musikk. Og denne lyden, på grunn av kontrasten, er den best mulige kombinasjonen med Coppolas luftvideosekvens.

På samme bånd kan du høre de glamorøse avantgarde-artistene Roxy Music og en av komposisjonene The Jesus and Mary Chain. Sistnevnte blir ofte referert til som forgjengerne til shugaze.

Til slutt skal det legges til at Sofias ektemann, Thomas Mars, vokalisten til det franske indiebandet Phoenix, jevnlig er med i filmene hennes, og for «Somewhere» spilte han inn et helt lydspor.

Hvilke emner tar Sofia Coppola opp i filmene sine?

Motivet til ensomhet

Nesten alle Sofia Coppolas malerier er forent av temaet uutsigelig melankoli. Og mest av alt, de karakterene som generelt har alt, lider vanligvis av det. Dermed prøver regissøren å forstå hennes barndoms ensomhet og fremmedgjøring. Tross alt tilbrakte hun alle sine første år, kan man si, i et gullbur.

For å understreke at karakterene hans er separate, tyr Coppola til en rekke teknikker. For eksempel skiller dem visuelt fra andre mennesker. Eller det plasserer karakterer i mellomrom som er uforholdsmessige til dem, i forhold til hvilke de ser veldig små og ubetydelige ut.

Den ensomme figuren til Kirsten Dunst på bakgrunn av palassets vidstrakte vidde. Still fra filmen "Marie Antoinette"

Sofia Coppola understreker visuelt ensomheten til Scarlett Johanssons karakter, og skiller ham fra resten. Still fra filmen "Lost in Translation"

Heltinnen Scarlett Johansson er i fokus, resten av karakterene er det ikke. Still fra filmen "Lost in Translation"

Kvinnelig blikk

Ofte i sentrum av Coppolas fortelling er en lukket kvinnegruppe ("Virgin Suicides", "Fatal Temptation") eller bare unge jenter med engleaktig utseende ("Elite Society"). Men samtidig er heltinnenes uskyld som oftest villedende og nærmere finalen blir til noe usunt eller skremmende.

Skutt fra filmen "Fatal Attraction"

En scene fra filmen "Virgin Suicides"

Still fra filmen "Elite Society"

Far-datter forhold

Et par malerier i Coppolas filmografi kan i en eller annen grad kalles selvbiografiske. Det mest åpenbare eksemplet er Somewhere-tapen. I hovedpersonen hennes blir Sofia selv umiskjennelig gjettet, tvunget til å dele en kjær med fans og paparazzier og stadig bo på hotell mellom prestisjetunge festivaler.

Farsfiguren kommer også frem i fullengderfilmen «The Last Stroke». Dessuten binder Bill Murray i denne filmen til og med et skjerf akkurat som Francis Ford Coppola.

Skutt fra filmen "The last straw"

Skutt fra filmen "Somewhere"

Hvilke filmer av Sofia Coppola er verdt å se

1. Jomfru-selvmord

• USA, 1999.
• Drama, melodrama.
• Varighet: 97 minutter.
• IMDb: 7, 2.

En gruppe på fire barn husker jenter-naboer som noe forferdelig skjedde med for mange år siden. Først blir den yngste av de fem Lisboa-døtrene, Cecilia, kastet ut av vinduet. Etter hennes død forelsker hovedskolens kjekke mann seg i 14 år gamle Lux, og dette fører familien til enda større problemer.

Debuten "Virgin Suicides" basert på romanen med samme navn av Jeffrey Eugenides trakk øyeblikkelig oppmerksomheten til seere og kritikere til Sofia, og bestemte også hennes videre kreative vei. Her manifesterte Coppolas håndskrift seg i all sin prakt: verden er et sted på grensen til drøm og virkelighet, som skrevet i akvareller, et melankolsk lydspor og en løsrevet posisjon til forfatteren, som bevisst ikke ser inn i hodet på hans. helter.

"Jomfru-selvmordene" er like tragiske og bedårende. Selve bildet er veldig lyst, selv om det berører mørke temaer, inkludert tenåringsselvmord, religiøs besettelse og vold i hjemmet.

2. Tapt i oversettelsen

• USA, Japan, 2003.
• Drama, melodrama.
• Varighet: 102 minutter.
• IMDb: 7, 7.

Den middelaldrende skuespilleren Bob Harris og studenten Charlotte befinner seg i en ukjent by samtidig - Tokyo. De møtes ved en tilfeldighet på et hotell og tilbringer den korte, men mest spennende tiden av livet sammen.

Sofias virkelige gjennombrudd var hennes andre spillefilm. Filmen vant en Oscar i nominasjonen for beste originale manus og samlet en hel haug med priser på ulike festivaler.

Lost in Translation refererer til en film der det, når det gjelder plot, skjer lite. Men samtidig endres nesten alt for heltene til Bill Murray og Scarlett Johansson. Begge karakterene møter kriser: den ene i middelalderen, den andre i tidlig voksen alder. Det ser ut til at de etter å ha møtt hverandre burde finne lykke, men Sofia Coppola bedrar forventningene våre og forteller i stedet for en kjærlighetshistorie historien om en dødsdømt romanse.

Det er bemerkelsesverdig at Coppola begynte å skrive Lost in Translation da hun skilte veier med sin første ektemann, Spike Jones (det var han som ble prototypen til Charlottes ektemann). Han begynte å jobbe med debuten «She» omtrent samtidig. Så disse to verkene kan sees på som en uoffisiell dilogi om ensomhet.

3. Marie Antoinette

• USA, Frankrike, Japan, 2006.
• Biografisk drama.
• Varighet: 123 minutter.
• IMDb: 6, 5.

Maria Antonia, den yngste datteren til keiserinnen av Østerrike, blir gitt i ekteskap med den fremtidige kong Ludvig XVI. Så jenta blir den franske dauphinen Marie Antoinette, og senere dronningen. Problemet er at ekteskapet deres med Louis forblir barnløst en stund, og så finner herskeren trøst i hedonisme og sløsing. Men hun må betale dyrt for en for luksuriøs livsstil.

Umiddelbart etter The Virgin Suicides bestemte Sofia Coppola seg for å filme biografien om Marie Antoinette, en av de mest kontroversielle historiske figurene, men bestemte seg for å handle på en uvanlig måte. Filmskaperen nektet bevisst å lese den klassiske biografien om pennen til Stefan Zweig, og foretrakk en mer intim og sensuell utforskning av Antonia Fraser.

For hovedrollen ble Coppola igjen oppringt av Kirsten Dunst, som hun allerede hadde jobbet med i «The Virgin Suicides». Det er til og med en viss sammenheng mellom bildene som skuespillerinnen har legemliggjort i disse to filmene. I begge filmene snakker vi om jenter - ofre for sin egen skjønnhet. Alle beundrer heltinnene, men ingen forstår dem.

Regissøren ser på fortidens hendelser gjennom nåtidens prisme. De luksuriøse toalettene fra 1700-tallet er malt i lyse farger, utypisk for den tiden. I en scene dukker Converse joggesko opp i forbifarten. Og på ballene har de det gøy med new wave og post-punk musikk: Siouxsie and the Banshees, Bow Wow Wow og The Cure.

Slike bevisste anakronismer er nødvendige for at betrakteren skal komme nærmere opplevelsene til heltinnen, som går tapt ikke bare i seg selv, men også i tid. Hun gjør det virkelig mye bedre med moderne Converse enn rokokko-sko.

4. Et sted

• USA, 2010.
• Komedie, drama.
• Varighet: 99 minutter.
• IMDb: 6, 3.

Hollywood-skuespiller Johnny Marco fører en vill og ganske meningsløs livsstil. Men når hans ekskone lar sin 11 år gamle datter ha ansvaret for ham i et par uker, hjelper kommunikasjonen med jenta til å forstå seg selv bedre.

Kritikere tok båndet forsiktig, men vanlige seere forsto det ikke i det hele tatt. Denne filmen er virkelig kontroversiell. På tross av all sin subtilitet og penetrasjon, kan "Somewhere" bare anbefales til de mest lojale fansen av Sofia Coppola. Eller de som oppriktig elsker meditativ, rolig kino uten plot og synlig konflikt.

5. Elitesamfunn

• USA, Storbritannia, Japan, Tyskland, Frankrike, 2013.
• Kriminaldrama.
• Varighet: 87 minutter.
• IMDb: 5, 6.

Mark blir overført til en ny skole, men der har han bare et forhold til en jente som heter Rebecca. En dag, av kjedsomhet, inviterer hun fyren til å ransake andres biler på jakt etter verdisaker, for så også å klatre rundt i nabohusene. Gutta slipper unna med det, men appetitten vokser, og så bestemmer heltene seg for å utforske herskapshusene til Hollywood-stjerner.

I det neste verket tok Coppola på seg en ny sjanger av sosial satire. Handlingen er basert på artikkelen De mistenkte hadde på seg louboutins / Vanity Fair fra Vanity Fair, som forteller historien om tenåringer som frekt ranet villaene for kjendiser og til slutt ble tatt av myndighetene.

Samtidig forblir Sophia tro mot seg selv. Hun ser ikke ned på, fordømmer noen og moraliserer ikke. Men samtidig tegner den et portrett av en generasjon som er slående i sin nøyaktighet: late, uvitende forbrukere, overbevist om at de som standard har rett til et luksuriøst liv, som de ikke satte en finger på fingeren for.

6. Fatal fristelse

• USA, 2017.
• Drama, melodrama, thriller.
• Varighet: 93 minutter.
• IMDb: 6, 3.

Amerikanske sør, 1864. Borgerkrigen er i full gang. Såret i beinet havner en korporal fra Army of the North, John McBurney, på et pensjonat for unge damer, hvor bare vertinnen, en ung lærer og flere elever er igjen. Til å begynne med er damene imot at det dukker opp en fremmed i klosteret deres, men etter hvert våkner en utvetydig interesse for gjesten hos dem.

Det sjette spillefilmverket ga Sofia hovedprisen for beste regissør på filmfestivalen i Cannes. Regissøren tok utgangspunkt i romanen «Bedraget» av Thomas Cullinan. Don Siegel var den første som filmatiserte denne boken i 1971, og den uforlignelige Clint Eastwood spilte hovedrollen da.

I den nye bearbeidelsen har tyngden flyttet seg fullstendig fra hovedpersonen (Eastwood ble her erstattet av den ikke mindre karismatiske Colin Farrell) til kvinnene rundt ham. Hovedrollene gikk til Kirsten Dunst, Elle Fanning og Nicole Kidman. I Fatal Temptation er bildet mer lurt enn noen gang. Og i stedet for et kostymemelodrama, venter en ekte gotisk skrekk på publikum - tyktflytende, skummel og ekstremt ubehagelig, men likevel fortryllende vakker.

7. Den siste dråpen

• USA, 2020.
• Drama, komedie, detektiv.
• Varighet: 96 minutter.
• IMDb: 6, 5.

Den suksessrike forfatteren Laura mistenker mannen sin for forræderi. En eldre kvinnebedårer Felix, som en gang gikk til venstre for kona selv, kommer datteren til hjelp. Han er sikker på at en manns natur ikke tillater ham å være trofast i ekteskapet. Faren inviterer jenta til å følge mannen sin for å fange ham på åstedet.

"The last straw" (i originalen On the Rocks, som kan oversettes som "med is" og som "familieproblemer"), filmet Sofia spesielt for Apple TV +-tjenesten. Ved første øyekast kommer denne filmen til kort i forhold til Coppolas andre verk, men ikke undervurder den. Dette er en ekstremt oppriktig og smart historie om to forskjellige generasjoner, dyktig spilt av Rashida Jones og Bill Murray, der det er lett å kjenne igjen Sophia selv og faren hennes.

Se på Apple TV + →