Ikke-opplagte grunner til at vi elsker noen filmer og synes det er vanskelig å tolerere andre

2024 Forfatter: Malcolm Clapton | [email protected]. Sist endret: 2023-12-17 04:07

Finesser i redigering, kamerateknikker og andre triks som lar deg føle atmosfæren.

Oftest, når de diskuterer kino, snakker folk om handlingen og skuespillet. Selvfølgelig er dette viktige komponenter i enhver film. Men det har seg slik at du ikke klarer å ta øynene fra et bilde, selv om handlingen utvikler seg veldig sakte, og en annen historie blir fort kjedelig, til tross for de mange hendelsene. Noen forfattere klarer å få seeren til å tro på de mest fantastiske svingene, mens andre lager til og med virkelige situasjoner som leker. Og det er bare hyggelig å se noen kassetter, mens andre er vanskelige.

Saken er at i tillegg til handlingen og skuespillerne, er det mange interessante teknikker som regissører bruker for å hjelpe seeren til å føle handlingen og nyte det som skjer på skjermen. Disse finessene blir kanskje ikke engang lagt merke til, men de påvirker fortsatt oppfatningen av bildet i stor grad.

Fargespekter

Det første man legger merke til er at fargene i filmene ofte ikke er de samme som i det virkelige liv. Det kan være ganske åpenbart (for eksempel hvis bildet er svart-hvitt), eller du skjønner det ikke med en gang. Men dette er ingen tilfeldighet.

Å skape en atmosfære

Ved hjelp av farger kan du bedre formidle atmosfæren til det som skjer, skape en stemning for seeren og til og med vise følelsene til karakterene selv.

Ta den populære X-Men-serien som et eksempel. I hovedserien av filmer ligner det lyse og rike bildet tegneserier. Og i motsetning til dem i noir "Logan", der de snakker om heltens alderdom og tretthet, velges blekere toner.

Skutt fra filmen "X-Men: Apocalypse"

Skutt fra filmen "Logan"

I filmen «Mad Max: Fury Road» foregår det meste av handlingen i et varmt ørkenområde. Det er logisk at bildet er tatt i gul-oransje nyanser, som får deg til å føle den stekende solen og tørrheten.

For klarhet kan du ta en ramme og endre fargeskjemaet. Det vil umiddelbart virke som det har blitt kaldere.

Skutt fra filmen "Mad Max: Fury Road"

Samme ramme, men i kalde farger

For å skape et kontrastbilde blir moderne storfilmer og generelt massekino gjort mer blå og oransje.

Men den berømte Wes Anderson elsker en myk rosa palett. Det gir seeren følelsen av en gammel romantisk film. Og alt som skjer oppleves mer rolig og lettere.

Når de ønsker å skape en atmosfære av fremtid og fantasi, henvender de seg også ofte til det blå området. Og de elsker spesielt neonfarger, som er godt forbundet i seerens hode med cyberpunk og teknologi.

Unødvendig å si foretrekker skrekkfilmskapere mørke farger. Det er flere grunner til dette. Selvfølgelig er dette delvis en måte å pumpe atmosfæren på. Mange mennesker er allerede redde for mørket, og i skrekkfilmer er det også monstre som gjemmer seg i det.

I tillegg lar et mørkt bilde deg litt skjule ufullkommenhetene til grafikk eller sminke og spare på produksjonen. Riktignok er det en fare i dette: Hvis du mørkner rammen for mye, kan seeren rett og slett ikke se hva som skjer på skjermen, spesielt i en dårlig kino eller på en gammel TV. For eksempel var dette tilfellet i 2018-filmen Slenderman.

Selv om noen originale regissører kan spille i kontrast. For eksempel viste Ari Astaire i «Solstice» den typiske atmosfæren til en skrekkfilm: heltene befinner seg i en isolert landsby hvor forferdelige ting skjer.

Men samtidig er bildet veldig lyst, det er nesten ingen mørke scener i det, og klærne til heltene er snøhvite. Og dette gjør det enda mer skummelt, fordi det ikke er noe sted å gjemme seg for skrekken.

Skille tomtedeler

En film kan ha flere forskjellige fargefiltre. De brukes til å skille historielinjer tydeligere. Og med riktig talent hjelper denne tilnærmingen til å lysne opp bildet.

The Matrix er et godt eksempel. Logoen til dette båndet ble laget med grønne kodesymboler, som angir programmet der folk bor. Derfor ble alt som skjer i den virtuelle verden filmet gjennom et grønnaktig filter. Og virkelige hendelser vises i blått.

En scene fra filmen "The Matrix", action i den virtuelle verdenen

En scene fra filmen "The Matrix", action i det virkelige liv

Og først helt på slutten av tredje del, da mennesker og maskiner inngikk en fredsavtale, dukker det samtidig opp rene blå og grønne farger i rammen.

I Christopher Nolans Inception beveger karakterene seg fra den virkelige verden til å sove, deretter til å sove i søvne, og så videre. For å skille "lagene" tydeligere, valgte regissøren sitt eget fargevalg for hvert av dem.

Skutt fra filmen "Inception", den første drømmen

Skutt fra filmen "Inception", andre drøm

Skutt fra filmen "Inception", tredje drøm

På det første søvnnivået er alt filmet i en blå palett, den andre er gul, den tredje er hvit. Og først i den siste drømmen kommer alle nyansene sammen igjen, som i den virkelige verden.

I Blade Runner 2049 av Denis Villeneuve reflekterte forskjellige farger både plasseringen og den indre tilstanden til hovedpersonen.

Skutt fra filmen "Blade Runner 2049"

Skutt fra filmen "Blade Runner 2049"

Skutt fra filmen "Blade Runner 2049"

Skutt fra filmen "Blade Runner 2049"

Det hele starter med at Ryan Goslings karakter vandrer i tåken, deretter går han gjennom en varm oransje ørken, neonfuturisme og en nattflom. Og historien ender på en snøhvit bakgrunn, som gjenspeiler ro og renselse.

Nektelse av farge

En gang i tiden var alle filmer svart-hvitt. Rett og slett fordi de ikke visste hvordan de skulle skyte ellers og det var mulig å fargelegge rammene kun for hånd. Så kom fargefilmer og kinematografien ble mye mer realistisk.

Men samtidig er ikke svart-hvitt-fotografering helt en saga blott. De brukes fortsatt til kunstneriske formål. For eksempel for å avgrense forskjellige verdener eller historielinjer.

Så, i "Trollmannen fra Oz" i 1939, dukker det opp farger når Dolly kommer inn i eventyrverdenen.

Fortsatt fra filmen "The Wizard of Oz", vanlig verden

Fortsatt fra filmen «The Wizard of Oz», eventyrland

I "Stalker" av Andrei Tarkovsky er farger også fraværende i heltenes vanlige liv. Og når karakterene kommer inn i den mystiske "sonen", blir verden lys - det er her folk virkelig avslører seg selv.

Eller alle de samme Christopher Nolan i båndet "Remember" viste en del av handlingen i direkte rekkefølge, og den andre - i motsatt. Derfor er halvparten av filmen filmet i farger og den andre er i svart-hvitt.

Still fra filmen "Remember", direkte bestilling

Fortsatt fra filmen "Remember", omvendt rekkefølge

I tillegg lar et svart-hvitt-bilde deg fremheve visse detaljer mer levende ved å legge til farger på dem. For første gang gjorde Sergei Eisenstein dette da han manuelt malte flagget i slagskipet Potemkin fra 1925.

Deretter ble denne teknikken brukt i helt andre sjangre. I Steven Spielbergs Schindlers liste blir utseendet til en jente i rød frakk et av de mest emosjonelle øyeblikkene.

Og selv i tegneseriefilmen Sin City brukes denne tilnærmingen gjentatte ganger, med vekt på rød leppestift, lyse øyne eller blod.

Rammekonstruksjon

Tredjedelsregel

Et av de grunnleggende prinsippene for både film og fotografi. Dette er noe som en forenklet regel om det "gyldne snitt".

Det er enkelt: Ved opptak er skjermen delt inn i tre deler vertikalt og horisontalt. De viktigste elementene for tomten bør være plassert på disse linjene, så vel som i deres kryss. Dette vil gjøre det lettere for seeren å fokusere på de ønskede punktene.

Plasser i en firkant

Hvis du betinget deler rammen i to eller i fire like deler, kan du få seeren til å forstå uten ord hvilken plass karakteren har i historien.

Denne teknikken sees tydeligst i filmen «Drive» av Nicholas Winding Refn. For eksempel, hvis ansiktet til hovedpersonen vises i øvre venstre hjørne, og i neste ramme vises en annen karakter på samme sted, så er dette et hint om at karakterene vil være rivaler.

I tillegg kan samme Refn fortelle to historier parallelt: i øvre og nedre del av skjermen eller i venstre og høyre halvdel. Seeren legger kanskje ikke merke til dette trekket, men likevel vil oppfatningen av karakterene være mer komplett. Pluss at det bare er vakkert.

Symmetri

En annen psykologisk og estetisk teknikk på samme tid. Ofte er skudd der venstre halvdel reflekterer høyre halvdel gjort bare for skjønnhets skyld.

Men noen ganger formidler de motstanden til karakterene. Og hvis helten ser seg i speilet, vil det vise hans mørke side eller forskjellen mellom drømmer og virkelighet. Kort sagt, enhver allegori som kan tenkes for refleksjoner.

Still fra filmen "2001: A Space Odyssey"

Skutt fra filmen "The Shining"

Et stillbilde fra filmen "Joker".

Nederlandsk corner

For å vise ustabiliteten til hovedpersonen, hans tvil om noe eller hukommelsesproblemer, bruker de en veldig visuell teknikk. "Nederlandsk vinkel" betyr at kameraet ikke fotograferer rett, men skrått. Mange eksempler på denne tilnærmingen finnes i filmene til Danny Boyle.

Det er uvanlig for betrakteren å se på bildet fra en vinkel, slik at han bedre oppfatter karakterens ubehagelige tilstand.

Det er imidlertid viktig å observere tiltaket her. For eksempel ble den katastrofale filmen "Battlefield: Earth" filmet helt i en vinkel. Men om en og en halv time vil seeren mest sannsynlig bare ha vondt i nakken.

Skyting nedenfra og ovenfra

En annen av de enkle, men effektive teknikkene som lar deg formidle heltenes selvfølelse. Så du kan for eksempel vise hvem som er mester i situasjonen. Og så husker jeg umiddelbart kassettene til Quentin Tarantino, der karakterene ser ned i bagasjerommet.

Skutt fra filmen "From Dusk Till Dawn"

Skutt fra filmen "Reservoir Dogs"

Og å skyte ovenfra får deg til å føle at helten føler seg usikker. Her er hvor morsomt de spilte det i den berømte scenen fra filmen "What Men Talk About", der karakteren til Kamil Larin, som et barn, kommer med unnskyldninger til dørvakten på en dyr restaurant:

Dialog og bevegelse

Bakgrunnshandling

En teknikk som oftest brukes i komedie eller skrekk. I forgrunnen skjer det ingenting interessant. Og alt det viktigste utspiller seg mot bakgrunnen, som kan bli mørkere eller uskarpe.

For eksempel går hovedpersonen i filmen «Zombie Called Sean» til butikken. Alt er veldig hverdagslig for ham. Og i bakgrunnen er det en ekte apokalypse:

Avhengig av sjanger og presentasjon kan dette skape enten en veldig morsom effekt eller spenning – så ofte er hovedskrikerne gjemt i skrekkfilmer.

Samtaler i bevegelse

Den vanligste typen dialog i filmer er at karakterer sitter og prater. I dette tilfellet bytter kameraet tradisjonelt mellom ansikter.

Men hvis scenen tar for lang tid, vil seeren bli lei av den konstante gjentagelsen av de samme vinklene. Derfor supplerer eller endrer gode regissører settingen av slike scener.

Så i Quentin Tarantinos filmer snakker karakterene nesten konstant. Men mesteren lar deg ikke kjede deg, for dialoger kan finne sted mens du kjører. På grunn av den konstante endringen av bakgrunnen, ser handlingen ikke ut til å være monoton.

Og selv om karakterene er i samme rom, bytter ikke kameraet bare sånn. Hun kan bevege seg rundt dem, skape effekten av tilstedeværelse og til og med deltakelse i samtalen. Nesten alle karakterer kan sees uten unødvendig redigering.

Nicholas Winding Refn klarer å bruke det allerede nevnte spillet med farger og refleksjon i enkel samtale. I Drive ser den første dialogen til hovedpersonene ut til å se veldig enkel ut.

Men samtidig er Ryan Goslings karakter alltid på blå bakgrunn (dette fargeskjemaet følger ham gjennom hele filmen). Og heltinnen Carey Mulligan står ved de oransje veggene. Og dette viser at noe skiller dem, selv om de er nære.

180 graders regelen

Det er enda et viktig poeng under filmingen. Hvis du beveger kameraet mer enn 180 grader når du endrer vinkler, vil seeren bli forvirret. For eksempel, når helten løper, vil det se ut til at han har snudd seg og beveger seg i motsatt retning.

Og dette er like viktig selv under dialoger. For ikke å skape inntrykk av at alle i bildet har beveget seg brått, velger operatør og regissør en bestemt linje som kameraet ikke skal gå over.

Det er merkelig at et bevisst brudd på denne regelen kan brukes bare for å forvirre seeren, for å vise heltens forvirring. Og med tilbørlig fantasi skaper forfatterne mer uvanlige scener. For eksempel Gollums samtale med seg selv. Karakteren vises rett og slett fra forskjellige sider, men dette skaper effekten at det er to høyttalere og de er i dialog.

Installasjonsfunksjoner

Redigering lar deg gjøre handlingen til filmen mer dynamisk, "hoppe over" de kjedelige øyeblikkene i livet og lar deg se på hva som skjer fra forskjellige synsvinkler. Den enkleste formen er narrativ. Det vil si at hendelsene i rammen finner sted etter hverandre. Dette ble tydeligst forklart i Mannen fra Boulevard des Capucines.

Men du kan vise hendelsene i filmen på en annen måte, og til dette bruker de forskjellige teknikker.

Parallell installasjon

I motsetning til sekvensiell historiefortelling, vil noen ganger forfattere at publikum skal se hva som skjer på samme tid på forskjellige steder. Og så går regissørene over til parallellredigering.

Dette gjør handlingen mer begivenhetsrik. Men du må være forsiktig. Tross alt, hvis du viser etter tur scenene som oppstår samtidig, kan du få inntrykk av at hver av dem varer lenger.

Et slående eksempel på mislykket parallellredigering er "Furious-6". Heltene prøver å rømme på et fly som kjører langs rullebanen, biler jager dem, og en kamp finner sted inne i rutebåten.

Forfatterne demonstrerer så mange hendelser på en gang at på skjermen ser det ut til at flyet akselererer i minst 15 minutter. Unødvendig å si at dette dreper all realismen i situasjonen?

Christopher Nolan på sin side er mye ansett som en mester i parallellredigering. Regissøren bruker det i mange av verkene sine, men The Beginning er det beste eksemplet. Hendelser ved forskjellige søvnnivåer skjer samtidig, og med forskjellige hastigheter (i dypere søvn går tiden langsommere).

Her legges den allerede nevnte fargeseparasjonen til handlingen og betrakteren blir ikke forvirret i det som skjer, men innser hele hendelsenes globalitet.

Det er forresten interessant at Nolan i filmen «Dunkirk» er enda mer vittig med denne teknikken. Den viser parallelt hendelsene som finner sted på bakken, i vannet og i luften. Faktisk er kronologien en helt annen, og alt konvergerer først i finalen.

Flashbacks og Flash Forwards

Noen ganger legger forfatterne sine minner fra fortiden – tilbakeblikk – inn i den lineære historien om heltene. Dette kan være svært korte glimt på noen få sekunder eller hele historielinjer.

En stor fan av slike øyeblikk er Jean-Marc Vallee. Dermed tilfører han spenning til de tilsynelatende rolige scenene. Eller han gjør det klart at karakteren bedrar noen: han sier én ting, men noe helt annet dukker opp i minnene hans.

Det er ikke vanskelig å gjette at flashforwards er de samme historiene, men fra fremtiden. De brukes sjeldnere, vanligvis i science fiction eller mystiske historier. På en slik teknikk bygde de til og med en hel serie, der hver person under en viss formørkelse så et øyeblikk fra fremtiden sin.

Og videre langs plottet prøver alle å finne ut årsakene til det som skjedde og forstå betydningen av visjonene deres. Serien ble kalt så: Flashforward (i russisk oversettelse - "Husk hva som vil skje"). Riktignok varte han bare en sesong.

Hoppklipp

Denne teknikken gjelder allerede for lineær redigering. Det betyr en skarp overgang mellom rammer. De bruker det til helt andre formål.

I Frank Ozs Little Shop of Horrors er en slik montasje med på å vise tidens lange og kjedelige gang.

Men Lars von Trier, som også ofte bruker jump-cut i verkene sine, formidler det følelsesmessige stresset og den psykologiske ustabiliteten til karakterene på denne måten. Å fotografere som dette gjør bildet mer "nervøst". I "Idioter"-båndet er dette veldig passende:

Redigering i form og lyd

For at de ulike hendelsene som vises i filmen skal oppfattes som en fortsettelse av hverandre, bruker forfatterne ofte visuelle tilfeldigheter. Det vil si at konturene til et objekt i en ramme gjentas i den neste. Og noen ganger kan det se veldig vittig ut.

På samme måte kan du "hekte" betrakteren med lyd. Skriket fortsetter med damperens fløyte, og industribuldringen erstattes av musikk i samme tempo. Eller susingen fra en skadet pipe blir til et knitring av stekt kjøtt.

I tillegg kan lyden ligge litt foran eller henge etter det som vises på skjermen. Dette gjøres for å gjøre scenene mer koblet sammen. Det vil si at seeren fortsatt hører tale og raslinger fra forrige bilde, men handlingen har allerede endret seg. Eller vice versa.

Mangel på installasjon

Dette er et dristig trekk: regissører tar lange scener uten å redigere i det hele tatt, eller skjuler det på forskjellige måter.

Dette gjør det som skjer på skjermen mer realistisk, gir seeren en følelse av tempoet i selve historien. Men selvfølgelig krever denne tilnærmingen mye mer øving og investering. Tross alt, under behandlingen, kan du kutte ut mislykkede små ting.

Så Joe Wright i filmen "Atonement" viste en fem-minutters scene med evakuering av tropper fra Dunkirk under andre verdenskrig. 1300 mennesker var involvert i publikumsscenen, med utstyr som beveget seg i rammen, og eksplosjoner oppstår i bakgrunnen. Det er denne tilnærmingen som formidler all dysterheten og kaoset av det som skjer.

Moderne teknologier gjør det mulig å håndtere installasjonen mer nøyaktig. Og det hjalp Alejandro Gonzalez Iñarrit å skyte Birdman. I den legger du ikke en gang merke til at hele handlingen vises i én sammenhengende ramme.

Faktisk er montasjen der, men skjult. Skjøter lages når kameraet passerer gjennom et mørkt element.

Og "Russian Ark" av Alexander Sokurov ser enda sterkere ut. Handlingen foregår i Eremitasjen, og regissøren fikk én dag til filming. Derfor bestemte han seg for å ta bildet uten å lime.

Det tok sju måneder med prøver med 800 statister. Som et resultat, fra den tredje opptaket, tok de en hel film med en varighet på 1 time og 27 minutter.

Faktisk er det mye flere slike finesser. Men mange av dem krever allerede dyp kunnskap om regi og kinematografi. Dette er bare enkle eksempler som kan sees i mange filmer. Og når du ser på det neste bildet, vil du helt sikkert bli slått av det "nederlandske hjørnet" eller en lang ramme uten redigering. Men dette vil ikke ødelegge magien til kino, men tvert imot vil gjøre visningen enda mer interessant.